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La Música - Los Elementos de la Música

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Los Elementos de la Música

 

Cuando un compositor crea una pieza musical, trabaja con varios elementos importantes que son básicos para la música. Estos elementos son : la melodía, el ritmo, la textura, la armonía y el timbre; otros elementos serían la forma, la velocidad o el tempo de la música, la dinámica o intensidad, etc. La manera de presentar y combinar estos elementos básicos en la música, es lo que determina el estilo de la música, que ha sido diferente dependiendo de las épocas históricas, de las zonas geográficas, de  los compositores, etc. 

 

 La melodía

Para muchos oyentes, la melodía es el ingrediente más importante de una obra musical. Básicamente una melodía es una sucesión de sonidos de diferentes alturas (graves, agudos), organizados de tal manera que tengan un sentido musical para el oyente.

La melodía es inseparable del ritmo, puede existir un ritmo sin melodía pero no al revés. Por lo que podremos decir que una melodía es una sucesión de sonidos de distinta altura y duración, animados por un ritmo.

Una  melodía está compuesta por unidades que se conocen con el nombre de frases o periodos, y a su vez, las frases están compuestas por unidades más pequeñas llamadas motivos, o  células melódicas,  que son las unidades más pequeñas con sentido musical,  que sirve de núcleo para la formación de un tema o un desarrollo posterior.

La reacción que una melodía produce en cada persona es diferente, así lo que para uno tiene un sentido musical, para otro es un grupo de sonidos sin sentido alguno. Una melodía que una persona percibe como de gran poder expresivo, puede no conmover a otra en absoluto.

Las características más importantes de una melodía son las siguientes.

    1- El diseño melódico: si unimos las notas de una melodía con una línea continua, obtendríamos visualmente el contorno o perfil melódico de la misma. Es a ese perfil al que llamaremos diseño melódico.

Sería muy complejo mostrar aquí la gran variedad de diseños melódicos que presentan las obras musicales. por lo que sólo destacaremos algunos diseños que nos sirvan como modelos y que nos ayuden a comprender cómo puede discurrir el diseño de una melodía.

 

 Diseño melódico formado por una nota repetida

El resultado visual sería una línea recta horizontal, este diseño puede presentar alguna modificación:

Primer tema del primer movimiento del Concierto de Aranjuez para guitarra y orquesta de Joaquín Rodrigo (1901-1999)




Diseño melódico ondulado

El diseño ondulado está formado por una nota base sobre la que oscilan de una forma más o menos regular, notas un poco más agudas y notas un poco más graves. Su perfil gráfico sería una línea curva.

Tema del primer movimiento, "la Mañana" de la Suite Nº 1. de E. Grieg


Diseño melódico ascendente y diseño melódico descendente

Se refieren a diseños basados en el sucesivo ascenso o descenso de las notas que conforman la melodía, así una melodía puede presentar un diseño ascendente, cuando va desde la nota más grave hacia la más aguda, pudiendo ser representada con una línea ascendente hacia la derecha.

Una melodía puede tener un diseño descendente cuando comienza con un sonido agudo y sucesivamente se va haciendo más grave, y cuya representación gráfica sería la contraria al diseño anterior, aunque lo mas frecuente, es una mezcla de ambas cosas, es decir, un diseño simétrico, en el que el punto más agudo se sitúa hacia el centro de la melodía.

Diseño ascendente

Tema de la introducción de "Así hablaba Zaratustra" de Richard Strauss (1864-1949)

 


Diseño descendente

Habanera de la ópera "Carmen" de Bizet

   

Diseño simétrico

Tema principal del Poema Sinfónico "El Moldava" de B. Smetana

  

  2- El ámbito, es decir, la distancia entre la nota más grave y la más aguda, así una melodía puede tener un ámbito estrecho, medio o amplio.

    3- El registro, una melodía puede utilizar sonidos muy agudos, o puede utilizar sonidos medios, o sonidos graves, así el registro de una melodía puede ser agudo, medio o grave.

    4- Distancia entre las notas: si se mueve por pasos, es decir utilizando sonidos que están próximos en la escala o  por saltos, utilizando sonidos muy distanciados entre sí en cuanto a la altura (agudo, grave).

Movimiento por pasos

"Himno a la alegría" de la Sinfonía nº 9 de Beethoven (1770-1827)


Movimiento por saltos

Primer movimiento de la "Pequeña Serenata Nocturna" de Mozart (1756-1791)

 

 

  5- El tipo de escala que utilice.

    6- La estructura de la melodía, si tiene partes que se repiten o  varían.

 

Dependiendo de todos estos aspectos, una melodía puede ser sencilla, fácil de recordar porque no utiliza muchas notas y están próximas en la escala, porque tiene una estructura basada en la repetición, es decir que tiene partes que se van repitiendo constantemente, etc. Otras en cambio son más complejas, porque usan un mayor número de notas musicales, las escalas en las que se basan son más complejas y con una estructura en la que no se repite nada y por lo tanto es más difícil de escuchar, retener y por lo tanto de cantar o tararear.

 

Leonard Bernstein (1918-1990), compositor, pianista y director de orquesta estadounidense, contribuyó a la transformación de toda una generación, oyentes ocasionales de música, en melómanos apasionados, tanto con medios impresos como audiovisuales, sobre todo con la magnífica serie de 53 conciertos televisados, con la Orquesta Filarmónica de Nueva York, entre 1958 y 1972, concebidos para jóvenes entre los ocho y dieciocho años.

 

El ritmo

Podemos definir el ritmo como las diversas maneras en las que un compositor agrupa los sonidos y los silencios, atendiendo principalmente a su duración ( largos y cortos) y a los acentos.

El elemento más básico del ritmo es el pulso, el pulso organiza el tiempo en partes iguales con la misma duración y con la misma acentuación, (uno, dos, tres, cuatro, ....).

Al igual que los ritmos en la naturaleza, como el movimiento de los planetas, la sucesión de las estaciones o el pulso del corazón, el ritmo musical suele organizarse en patrones de recurrencia regular. Dichos patrones controlan el movimiento de la música y ayudan al oído humano a comprender su estructura. La unidad rítmica básica por excelencia es el pulso, un patrón espaciado regularmente que se parece al ritmo de un reloj. En la mayor parte de la música de baile y en la popular, el pulso aparece de forma explícita, a menudo por medio del batir de los tambores o mediante un patrón de acompañamiento regular. En músicas más complejas, el pulso sólo está implícito. El tempo de la música determina la velocidad del pulso.

 

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La Música - Clasificaciones de los Instrumentos

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 CLASIFICACIONES DE LOS INSTRUMENTOS

Clasificación de Sachs-Hornbostel

El primer nivel de esta clasificación está dado por el elemento vibrante que produce el sonido. Por consiguiente, los instrumentos se clasifican en:

  • Cordófonos. Su sonido se produce por mediación de cuerdas
  • Aerófonos. El elemento vibrante es una columna de aire que suena al echar un gas contundente
  • Membranófonos. El elemento vibrante es una membrana.
  • Ideófonos. El instrumento vibra en su totalidad.
  • Electrófonos. El sonido es creado mediante circuitos eléctricos (no confundir con instrumentos electro-acústicos, que generan el sonido de manera no-eléctrica, pero es amplificado o modificado por medios eléctricos).

La clasificación clásica es:

Intrumentos de Cuerda
Instrumentos de Viento
Instrumentos de Percusión
Instrumentos de Teclado
 
Esta clasificación clásica se aplica en el contexto de la orquesta sinfónica, tanto en lo que se refiere a la orquestación y el análisis musical como a la dirección. La asignación mutua entre ambas clasificaciones es la siguiente:
  • Los instrumentos de cuerda de la orquesta sinfónica son todos cordófonos.
  • Los instrumentos de viento son todos aerófonos.
  • Los instrumentos de percusión se reparten entre los grupos membranófonos e idiófonos.
  • Los instrumentos de teclado pueden ser cordófonos, aerófonos, idiófonos o electrófonos.
  • El único electrófono admitido como parte de la orquesta sinfónica son las Ondas Martenot.
En el mismo contexto, la subdivisión usual de los instrumentos de viento se establece entre los siguientes grupos: el de los instrumentos de madera, que independientemente del material de que están construidos incluye a los aerófonos de bisel (flautas), de lengüeta simple (clarinetes) y de lengüeta doble (oboes), y el de los instrumentos de metal, que comprende a los aerófonos de embocadura. Fuera del contexto de la orquesta sinfónica podemos observar que los estudios formales de música (p.ej. en los conservatorios) comprenden instrumentos fuera de la orquesta como la guitarra (un cordófono) o el saxofón (un aerófono de lengüeta simple).
 
En el contexto más general de la historia de la música, la voz humana tiene un papel paralelo al de otros instrumentos, aunque no recibe una clasificación formal dentro de los sistemas estudiados, es decir, no se considera un instrumento musical y no es objeto de estudio por parte de la Organología.
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La Música - Las Características Musicales del Sonido - Los Elementos del Arte Musical

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Las características musicales del sonido.

 
   
 

 

 

 

Los elementos del arte musical

Las artes se distinguieron entre sí por la diferente materia estructurada por el artista en la creación de su obra.

El compositor utiliza el sonido, la naturaleza de las leyes físicas del cual fundamentan las normas formales de la música, y sus posibilidades expresivas y estéticas. Es por eso que la teoría de este arte debe comenzar por el estudio del hecho sonoro y de las diversas formas de su producción.

Pero, una composición, no es una mera suma de sonidos simples, simultáneos o sucesivos, sino que entre ellos se establece una estrecha interconexión.

Lógicamente, la primera articulación resultante es la derivada de la relación entre dos sonidos que recibe el nombre de intervalo. A partir de ella se constituyen otras más complejas (escalas, modos, acordes, ritmos, temas, series, etc.) que pueden considerarse como los elementos básicos de la forma musical, y condicionan, por tanto, la verificación de los principios estéticos de este arte.

 

 

El Sonido

La música se hace con sonidos. Llamamos sonido a la sensación auditiva que produce en nosotros el fenómeno físico originado por las vibraciones de los cuerpos.

En el sonido distinguimos diversos elementos, como la intensidad o fuerza con que se produce este sonido; la altura que nos hace considerarlo como agudo, medio o grave; el timbre, que es aquella cualidad del sonido gracias a la cual sabemos que lo que escuchamos está producido por uno u otro instrumento o voz; y la duración que nos permite apreciar el tiempo que el sonido está en nuestro oído.

Existe una distinción entre sonido y ruido. El sonido está producido por vibraciones regulares y periódicas, y el ruido por vibraciones irregulares que dan esta sensación confusa, sin entonación determinada.

Tradicionalmente la música se hacía con sonidos y no con ruidos, pero hoy en día esto no se puede afirmar. La música utiliza cualquier sonido o ruido, ya sea natural o artificial.

 

 


Las cualidades del sonido

La altura o tono
Cada sonido se caracteriza por su velocidad específica de vibración, que impresiona de manera peculiar al sentido auditivo. Esta propiedad recibe el nombre de tono.

La duración de las vibraciones de instrumentos de un mismo tipo es proporcional a sus dimensiones lineales. 

La medida de un sonido se encuentra fácilmente por comparación con otro parecido del cual se pueda determinar la frecuencia de una forma simple.

Los sonidos de mayor o menor frecuencia se denominan respectivamente, agudos o graves; términos relativos, ya que entre los tonos diferentes un de ellos será siempre más agudo que el otro y a la inversa.
 

La intensidad
Es la cualidad que permite distinguir entre sonidos fuertes o débiles. Además de la amplitud en la percepción de la intensidad, influye la distancia a que se encuentra situado el foco sonoro del oyente y la capacidad auditiva de este.
 

El timbre
Si el tono permite diferenciar unos sonidos de otros por su frecuencia, y la intensidad los sonidos fuertes de los débiles, el timbre completa las posibilidades de variedades del arte musical desde el punto de vista acústico, porque es la cualidad que permite distinguir los sonidos producidos por los diferentes instrumentos.

Esta cualidad físicamente se llama forma de onda.

 

 

 


El nombre de las notas musicales

El nombre de las notas musicales tiene su origen en un himno a San Juan. En concreto, en la primera sílaba de cada verso.

El himno es el siguiente:

Ut queant laxis
Resonare libris
Mira gestorum
Famuli tuorum
Solve polluti
Labii reatum
Sancte Joannes
Posteriormente la nota Ut, se transformó en nuestro Do.

Actualmente también se utilizan las letras A, B, C, D, E, F, G para designar las notas musicales. La letra A corresponde al La, y la letra G a la nota Sol. A partir de aquí, los símbolos se repiten y corresponden a las mismas notas una octava más alta.

Estas son las 7 notas de la escala diatónica. De cualquier forma, en una octava se utilizan 12 notas (las de la escala cromática). Las 5 notas restantes se simbolizan añadiendo a la derecha el carácter # (sostenido) o b (bemol).

 

 

 


Los intervalos musicales

Un intervalo es la diferencia de tono entre dos notas. Mientras el nombre de la nota expresa su tono o frecuencia de vibración, el intervalo indica la relación entre una nota y otra.

El intervalo más pequeño que se utiliza en la música occidental es el semitono, y es el intervalo entre dos notas consecutivas de la escala cromática.

La siguiente medida de un intervalo es un tono, que equivale a dos semitonos en la escala cromática.

Los intervalos más largos: segunda, tercera, cuarta, quinta, sexta, séptima y octava reciben sus nombres de la escala diatónica. Este nombre indica la relación existente entre una nota y la primera de la escala diatónica. Así, el intervalo do-sol se llama quinta ya que comprende cinco notas de la escala diatónica.

Los intervalos llamados perfectos son la quinta, la cuarta y la octava. A partir de ellos se pueden obtener el resto de las notas de la escala musical. 

 

 

 


Las escalas musicales

El sonido, para convertirse en materia artística, debe partir de un orden. Un bote de pintura no puede ser nunca un cuadro, de la misma manera, un sonido, sin más, no puede ser nunca una obra musical. El sonido, entonces, lo ha de ser ordenado, y a esta ordenación, en Occidente, la llamamos escala musical.

Esta ordenación ha sido fruto de un largo proceso. Desde la elección de un sonido base, a partir del cual construir el resto, a la determinación del intervalo que hay entre una nota y la siguiente.

Así, una escala es una serie de notas ordenadas de forma ascendente o descendente, a la primera de las notas se la llama tónica. Estas son las escalas musicales que han ido surgiendo a lo largo de la historia.
 

La escala diatónica
Como mínimo desde la Edad Media las escalas que se han utilizado son las escalas diatónicas, que se pueden simbolizar con las teclas blancas del piano. Estas escalas tienen dos intervalos diferentes: el semitono (en las teclas blancas, mi-fa y si-do) y tonos completos (entre las otras parejas de notas adyacentes). Tienen siete notas por octava (la octava nota de esta serie es simplemente la repetición de la primera, pero situada una octava más arriba).

La escala cromática
A finales del siglo XIX, y dado el hecho del uso cada vez más frecuente de los sostenidos y los bemoles, la música occidental comenzó a basarse no en la escala diatónica, sino en la cromática: 12 notas en una octava, separadas por un semitono: do, do#, re, re #, mi, fa, fa #, sol, sol #, la, la #, si (y do).

La escala temperada
Los problemas de afinación en instrumentos con intervalos fijos (piano, guitarra), hizo construir una escala en la que el intervalo entre dos notas consecutivas fuese siempre el mismo. Esta es la escala temperada, que consta también de doce notas, como la cromática, pero la relación de la frecuencia de una nota y la anterior es siempre igual a .

En 1939 se fijó la frecuencia de una nota de referencia, a partir de la cual poder deducir todas las otras. La nota y frecuencia escogidas fueron el LA4 a 440 Hz. A esta nota se le llama tono de referencia o tono de cámara.

A partir de esta se pueden deducir todas las demás. Las frecuencias de las notas que van del DO4 al DO5 serán

Nombre Do  Do#  Re  Re#  Mi  Fa  Fa#  Sol  Sol#  La  Si b  Si  Do 
Hz 261  277 294 311  330  349  370 392  415 440 466 494 523

Otras escalas
Hemos hablado de la escala diatónica y la temperada, pero en el mundo no occidental hay otras. Como ejemplos podéis ver tres escalas diferentes. En el gráfico se representa el intervalo entre una nota y la siguiente, si hacéis clic sobre ellas las podréis escuchar.

Nombre Mapa de los intervalos
Escala Temperada Escala Temperada
Escala Diatónica Escala cromática
Shree - India Shree
Sorog - Bali Sorog
Hirajoshi - Japón Hirajoshi
Podemos ver que los únicos intervalos comunes entre todas las escalas son la octava y la quinta.

Acordes y arpegios

Se llama acorde a la combinación de notas que suenan simultáneamente. Los acordes toman su nombre de la raíz o nota inicial y de los intervalos que contiene.

 

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La Música - El Movimiento Armónico Simple

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El Movimiento Armónico Simple.

Solemos decir que el sonido de una determinada nota musical se representa gráficamente por la función seno. Ésta representa un movimiento vibratorio llamado movimiento armónico simple, que es aquel que se obtiene cuando los desplazamientos del cuerpo vibrante son directamente proporcionales a las fuerzas causantes de este desplazamiento.

Un ejemplo de este movimiento se puede encontrar a partir del desplazamiento de un punto cualquiera alrededor de toda la longitud de una circunferencia.

Cuando un punto (P) recorre una circunferencia con velocidad uniforme, su proyección (Q) sobre cualquiera de los diámetros de esta, realiza un tipo de movimiento armónico simple. Cada vez que el punto se encuentre en uno de los cuatro cuadrantes de la circunferencia, se trazará una perpendicular desde el punto a un diámetro fijo de la circunferencia. A medida que el punto escogido se mueve a velocidad uniforme, el punto proyectado en el diámetro, realizará un movimiento oscilatorio rectilíneo.

Para representar gráficamente (en una función) el movimiento armónico simple de un punto, se toman como abscisas los tiempos medidos como fracciones del período (T/12, T/6, T/4...) que es el tiempo que este punto tarda en dar una vuelta completa a la circunferencia; y como a ordenadas las sucesivas prolongaciones del mismo. La resultante es una sinusoide, ya que la variación del tiempo t, se traduce como una variación del sin x, donde x es el ángulo que forma el radio con el semi-eje positivo de abscisas (x es proporcional al tiempo).


 


 

 

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La Música - Características del Barroco Musical

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Características del Barroco Musical

 Predominio del estilo vertical u homofónico.
Nacimiento del bajo continuo: el compositor da toda la importancia a las voces extremas. Se prefiere la melodía sólidamente apoyada en el bajo La voz superior es la melodía y el resto de la voces se convierte en un relleno armónico. El acompañamiento se indica mediante una serie de cifras (bajo cifrado) que señalan al organista los acordes que puede ejecutar Supremacía de un estilo armónico: sentido vertical en la música.

Delimitación e independencia entre música vocal e instrumental.

Uso de los contrastes que dará del estilo concertado al utilizar distintos planos sonoros y timbres que pueden obtenerse de una orquesta, produciéndose así contraposiciones entre todos los instrumentos (tutti), un pequeño grupo (concertino) o un solista.Nacimiento y esplendor de la música dramática: ópera, cantata, etc.

Aparición de la orquesta y perfeccionamiento de los grupos de cámara.
Aparición de un ritmo muy marcado y medido, aparece el moderno compás.
Nuevo concepto armónico: se deja de usar la música modal y se usa la tonal (2º Barroco).
Uso de acordes disonantes con mayor frecuencia.
Supremacía de la música profana sobre la música religiosa.
El compositor practica todos los géneros de su época.

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